El cine
(abreviatura de cinematografía), es la técnica de proyectar fotogramas
de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento,
mostrando algún vídeo. Etimológicamente,
la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del
siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas que signifìcan
"imagen en movimiento".
La idea de
capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. La técnica para captar la realidad por medios
luminosos había sido ya desarrollada por los inventores de la fotografía a mediados del
siglo XIX. Thomas Edison, inventor
de la lámpara incandescente, y William
Dickinson estuvieron muy cerca al inventar el cine creando el kinetoscopio, una màquina que
unificaba las imàgines con el sonido. Inspirándose en éste, los hermanos Lumière, crearon el cinematógrafo.
La primera presentación fue en el 28 de diciembre de 1895, en
París, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se
recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica y la
llegada de un tren a la estaciòn de Ciotat. Las
películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la
vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de, Georges Méliès, que salvó el cine de
acabar como un invento más entre tantos de aquella época. En efecto Méliès hizo
realidad los sueños de las personas e inventò las ficciones. Una de sus primeras pelìculas fue “Viaje a
la luna”, realizado en 1902.
A
principio del siglo XX se extendiò por el mundo como industria. Como las
películas eran mudas, unos rótulos(cartelli)
en medio de las escenas iban explicando la acción o los diálogos. Y, a
veces, un pianista daba el toque musical al espectáculo. Las barracas de los
inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde se
reunìan ambos las clases populares y bien estantes.
Con el fin de llenar de films estas salas
estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para el público
burgués. En Francia nacieron los Films
d'Art,con títulos basados
en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. En Inglaterra naciò la Escuela
de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins,
que se interesaron por los temas de persecuciones
y bélicos.
Uno
de los autores màs famoso de pelìculas mudas fue el britannico Charlie
Chaplin, que no se limitaba realizar grandes obras sino tambièn
actuaba en ellas. Su personaje màs famoso fue “el vagabundo” conocido
tambièn como Charlot o Charlitos en Hispanoamérica, que fue presentado por la
primera vez en un comedia titulada “Carreras sofocantes”. Charlot es un vagabundo con modos
refinados, ropa y la dignidad de un caballero. Su sensibilidad y su desillusiòn
delante de las injusticias de la sociedad lo convertieron en el emblema de la
alienaciòn de la humanidad en la época industrial. El vagabundo estuvo profundamente identificado con la
época del cine mudo. Cuando en la década de 1920 comenzaron las producciones
sonoras, Chaplin se negó a encarar a su personaje hablado. Chaplin abandonó su
personaje en la película Tiempos modernos de 1936,
que finaliza con el vagabundo caminando por una carretera sin fin hacia el
horizonte. La película fue prácticamente muda, aunque en una escena se lo pudo
escuchar cantar a Chaplin durante unos minutos.
La fórmula de Chaplin al momento de filmar
consistía en gestos exagerados y otros métodos de comedia física. Usualmente,
el vagabundo responde a sus enemigos con ladrillazos, es decir, hace uso de una
gran agresividad, este tipo de comportamiento fue muy criticado por los
criticos de la època. En 1915, Chaplin firmó un nuevo contrato con Essanay por un año. Con
aquella compañía, filmó 14 películas en las cuales desarrolló mucho más sus habilidades
cinematográficas. La popularidad de Chaplin continuó en aumento hacia el final
de la Primera
Guerra Mundial. En sus películas, hacía referencia a los problemas e
injusticias de la sociedad de su tiempo; entre ellos, las dificultades, constantes
luchas y humillaciones de los inmigrantes desamparados y los problemas
laborales. Despues Chaplin obtuvo un contracto con otra compañía y al final
fundò la “united artists” que
asicurò su indipendencia como cineasta.
La primera
película hablada de Chaplin, El gran dictador (1940), fue un acto de desafío contra el nazismo. Fue filmada y lanzada un año antes de que
Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial. Chaplin interpretó el dictador de Tomainia, inspirado en el dictador
alemán Adolf Hitler .
Cine sonoro
El 6 de octubre de 1927 con "El cantor de jazz", de Alan
Crosland, se inaugurò el cine sonoro. Se
iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para los actores:
muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera
voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física. Los hicieron importantes inversiones para reconvertirse en sonoros.
También los técnicos y los cineastas cambiaron de forma de hacer y de pensar. Y
los actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente. En el
Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados
en Barcelona en 1932. La implantación del sonoro
coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los
EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el cine momentos para huir de los
problemas cotidianos.
Cine en color
Los
experimentos con película de color empezaron en 1906, pero sólo se había usado
como curiosidad. El Technicolor fue
el primer intento efectivo de la industria cinematográfica para dejar atrás el blanco y negro y reproducir en pantalla los colores filmados en la realidad. El proceso de
Technicolor nació inicialmente como un sistema de dos colores,y sòolo en 1932
fue perfeccionado y se utilizaron los tres primarios: cyan, amarillo y magenta.
Este sistema
fue empleado por la primera vez en la
película “La feria de las vanidades” (1935), de Rouben Mamoulian,
adaptación de la novela de Thackeray.
En la
década de 1950 el uso del color se generalizó tanto que prácticamente el blanco
y negro quedó relegado para películas de bajo presupuesto. A partir de los años
sesenta, el blanco y negro quedó para crear efectos especiales en películas
como Psicosis (1960) de Hitchcock. Más recientemente, lo vemos casi siempre en películas con pretensiones artísticas,
como, Toro salvaje (1980), de Martin Scorsese, La ley de la
calle (1983), de Francis Ford Coppola, o Zelig (1983), de Woody
Allen.
Postguerra
Al terminar la guerra, en una Italia destrozada, aparece el llamado cine
"neorrealista", un cine testimonial sobre la realidad del
momento, hecho con pocos medios materiales pero con mucha humanidad, preocupado
por los problemas del individuo de la calle. Es el caso de "La terra
trema" (1947), de Visconti;
suponen una mirada sobre los problemas de subsistencia de los más humildes.
Este tipo de cine creó escuela por todo Occidente e, incluso, los
norteamericanos se aficionaron a filmar historias fuera de los estudios,
aprovechando los escenarios naturales. En los EEUU, las películas o bien
denotan un tono pesimista donde los personajes reflejan las angustias pasadas a
lo largo de la guerra o como consecuencia de ella, o bien se inspiran en la
comedia o el musical porque el público -a la vez- necesita "olvidar".
Cuando en 1947 se inicia la "guerra fría" entre Occidente y la URSS,
en los EEUU comienza un período de conservadurismo político que llega a
afectar a Hollywood, especialmente a los cineastas de izquierda, los cuales son
perseguidos, denunciados y condenados. A este período, que se prolongó
hasta 1955, se le conoce como "mccarthysmo" o "cacería de
brujas". Algunos cineastas, como Chaplin o Welles,
optaron por el exilio.
Los años 50 representan para los norteamericanos una
nueva época de bienestar que cambió el estilo de vida, sobre todo en lo que se
refiere al ocio. La adquisición de televisores supone un fuerte competidor para
el cine. El número de espectadores disminuye y hay que buscar maneras para
recuperarlo. La mejor forma será dándole al público lo que la pequeña
pantalla no puede: espectacularidad.
Hacen aparición nuevos mitos de la pantalla que
rompen los esquemas de comportamiento social convencionales, como Marlon
Brando, Marilyn Monroe.
Es también la década de los grandes melodramas y
de la consolidación de los géneros, como en el caso del thriller;
un buen ejemplo de éste último lo tenemos en los films de Hitchcock, como "Vértigo"(1958).
Las
ùltimas décadas
A finales de los años 70 se imponen nuevos temas y productores como Steven Spielberg, realizador de "Encuentros
en la tercera fase" (1977).
En los años 80, la aparición e introducción
del vídeo, y el aumento de los canales televisivos por vías diferentes, hacen
que el público vea más cine que nunca, sin salir de casa. Es preciso buscar de
nuevo espectacularidad: películas con muchos efectos especiales prueban
de atraer a los espectadores hacia la sala oscura. En España, la transición política permitiò el nacimiento de un nuevo cine sin censura.
Pedro Almodóvar enriquece la escena
cinematográfica a través de sus pelìculas
posmodernas. El cine vasco aporta también autores significativos al cine
español.
Comenzada la década de los 90, la crisis de ideas se apoderó del cine
norteamericano; así que decidió inspirarse en los héroes del cómic,
aprovechándose de los nuevos procedimientos para la creación de efectos
especiales. Géneros como la comedia clásica, los grandes dramas, los dibujos
animados o el western han retornado con fuerza.
El procedimiento cinematogràfico se alía con las nuevas tecnologías
electrónicas y de los estudios salen películas donde el ordenador ha tenido
mucho que ver en el proceso de manipulación de las imágenes. De la mano de la electrónica aparece la realidad virtual.
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